Un dégradé de peinture vient effleurer minutieusement le silence d’un espace blanc. Des roches aux contours arrondis par l’eau douce font face à la texture froide et homogène de sombres plaques en acier. Des mélanges de pigments et de peinture à l’huile répètent inlassablement le même motif sur des toiles écrues, jusqu’à l’épuisement. Derrière ces œuvres se dessine une même signature, bien connue par les esthètes : celle de Lee Ufan. À 83 ans, ce Coréen de naissance est sans doute l’un des artistes vivants les plus appréciés de l’art contemporain, aussi bien en Orient qu’en Occident.
Consacré au Japon par l’ouverture de son propre musée il y a neuf ans sur l’île de Naoshima, Lee Ufan rencontre également un succès majeur aux États-Unis, où il devient le deuxième artiste étranger auquel la Dia Art Foundation dédie un espace permanent. Autre pays adoré de l’artiste, la France le lui rend bien : à l’été 2020 c’est à Arles que sa fondation devrait être inaugurée, dans un bâtiment réhabilité par l’architecte Tadao Ando. En attendant l'apparition de ce nouveau lieu d'exposition, le Centre Pompidou-Metz présente jusqu’au 30 septembre un riche aperçu de sa démarche à travers une exposition habile s’affranchissant de l’ordre chronologique. Retour sur les clés du succès de cet artiste-philosophe.
Un ancrage dans l’histoire de l’art…
Au cœur d’un espace vide, des pierres sont disposées en relation avec des plaques ou barres d’acier : dès les années 60, Lee Ufan signe ici ses premiers Relatum, qu’il continuera de réaliser jusqu’à aujourd’hui. Rapidement, on verra dans ces œuvres l’écho des mouvements artistiques occidentaux qui traversèrent la deuxième moitié du XXe siècle : d’aucuns le rapprocheront souvent de l’art minimal américain ou de sculpteurs tels que Richard Serra au vu de son utilisation de matériaux industriels pour composer des formes épurées. Pourtant, Lee Ufan s’en détache, défendant des intentions différentes qui s’approcheraient davantage de l’arte povera, mouvement artistique italien né à la fin des années 60. Il s’y retrouvera davantage par l’emploi d’une matière “pauvre” extraite du naturel et de formes organiques dans une méditation sur la contingence du matériel.
…mais un art intemporel
En 1968, Lee Ufan entame ses Landscapes, larges toiles monochromes aux couleurs éclatantes obtenues par pigments, invitant le spectateur dans un ballet immersif. Depuis ses débuts, l’artiste rejette les conceptions moderniste et romantique de l’œuvre d’art en distinguant l’œuvre, en tant que création matérielle, de l’art, effet qu’elle produit sur le spectateur. Dans la lignée de Marcel Duchamp, c’est sur le second que sa pratique se concentre en priorité, comme le montrent les Landscapes : ainsi happé par ces tableaux colorés, le spectateur peut également y voir un clin d’œil aux méditations picturales de Mark Rothko. Mais outre cet ancrage dans son époque, l’art de Lee Ufan séduit par son caractère intemporel, transcendant les périodes par des techniques reproduites à l’envi – en atteste la durée de production de ses séries, pouvant pour certaines s’étaler sur plus de dix ans. Car très tôt, l’artiste a su construire sa ligne propre, qu’il suit depuis de manière très rigoureuse.
Lee Ufan, “From Point” (1976) © Studio Lee Ufan. Courtesy the artist and Kamel Mennour, Paris/London © ADAGP Paris, 2018
Lee Ufan, “Dialogue” (2010) © Adagp, Paris 2018
Une peinture philosophique
Commissaire de l’exposition au Centre Pompidou-Metz, Jean-Marie Gallais le dira lui-même : pour Lee Ufan, “le vent est la métaphore de l’extérieur, de ce qui intervient sur l’être humain et que l’on ne maîtrise pas”. Sur ses toiles, l’artiste devient un véritable poète de la répétition exprimant la contingence de la peinture. Le geste de son pinceau s’y éreinte, maintenant ses œuvres dans un temps suspendu où les choses reprennent leurs droits sur l’être humain. Ce besoin de revenir aux éléments primaires de l’existence apparaît dans nombre d’œuvres, prolongeant le courant artistique japonais Mono-Ha, dont Lee Ufan devient, à la fin des années 60, l’un des principaux représentants. Signifiant “École des choses”, celui-ci vise à recréer des expériences sensorielles par le biais des “choses” offertes par la nature – une doctrine que l’artiste illustre en investissant l’environnement par des compositions à base de matières laissées à l’état brut.
À la croisée de l’Orient et de l’Occident
En 2014, une immense plaque en acier courbé, équilibrée à ses extrémités par deux roches imposantes, encadre la façade arrière du château de Versailles. Par ce porche contemporain, Lee Ufan marque l’entrée dans les jardins de Le Nôtre, qu’il agrémente de ses œuvres à échelle parfois monumentale dont le dépouillement vient contraster avec le faste de leur environnement. En l'invitant à investir l’impressionnant domaine versaillais, le conservateur et commissaire d’exposition Alfred Pacquement adoube l'artiste devant le grand public français. Trois ans plus tard, en 2017, Lee Ufan investit le couvent de La Tourette, non loin de Lyon, où ses œuvres rencontrent un bâtiment conçu par Le Corbusier. Par ces projets in situ, l'artiste prouve son adaptabilité à toutes sortes d’espaces, s’intégrant particulièrement bien au patrimoine architectural français. Comme il le dit lui-même : “Mes œuvres plus récentes ne convergent jamais vers l’objet, elles renvoient toujours à l’espace environnant.”
Lee Ufan travaille entre Kamakura au Japon, New York et Paris, où il occupe un petit atelier à Montmartre, digne héritier des peintres qui ont animé ce quartier.
Dès les années 70, grâce notamment à la galerie Eric Fabre, Lee Ufan conquiert le monde de l’art parisien et sera régulièrement présenté dans de grandes institutions françaises (Centre Pompidou, Grand Palais). Un succès probablement lié au caractère transcontinental de son art, libéré d’une identité nationale spécifique. À l’inverse, l’artiste entretient une relation spéciale avec trois pays, qui le nourrissent d’influences complémentaires : la Corée, où il est né et a grandi, le Japon, où il a entamé sa pratique artistique, et la France, où il réside une partie de l’année depuis plusieurs décennies. Aujourd’hui, Lee Ufan travaille entre Kamakura au Japon, New York et Paris où il occupe un petit atelier à Montmartre, tel le digne héritier des peintres qui ont animé ce quartier.
Épurement et photogénie
Vastes toiles blanches ponctués d’un seul trait de peinture, bacs de sable fin ou plaques d’acier homogènes où trônent une à trois pierres espacées… Constamment, Lee Ufan met en scène le vide et le silence, soulignant par son œuvre même l’ampleur de l’espace environnant. “Je voudrais penser à un musée comme un espace qui impliquerait l’extériorité”, écrivait-il ainsi en 1998. Dotées d’un remarquable pouvoir consensuel, ses créations très photogéniques semblent répondre à nos besoins contemporains d’épurement à l’ère d’Instagram et d’une succession continuelle d’images. En véritables hiatus esthétiques, elles invoquent une respiration chez le spectateur, l’incitant à prendre un temps de pause face aux méandres de cette saturation visuelle.
“En tant qu’artiste, j’aimerais faire le va-et-vient entre le temps que veulent contrôler les hommes et celui qui leur échappe.”
Sans jamais dévier de ses propres préceptes, le travail de Lee Ufan effleure le dénuement pour viser l’essentiel. “En tant qu’artiste, j’aimerais faire le va-et-vient entre le temps que veulent contrôler les hommes et celui qui leur échappe. Je voudrais rester dans cette ambiguïté”, expliquait l'artiste à Jean-Marie Gallais. Une ambition brandie comme manifeste, élevant son œuvre d’une saisissante transcendance.
L’exposition Lee Ufan : Habiter le temps, au Centre Pompidou-Metz jusqu’au 30 septembre.
